"El perro veinte", Manuel Álvarez Bravo.

Con esta foto comencé a cuestionarme el porque hipnótico de algunas imágenes, y al leer y ver mas, entendí que se trataba de esa redondez, de una imagen que de la cotidianidad construye ese simbolismo y esas relaciones entre símbolos, números, tonos, que de alguna manera hacen de ella una imagen equilibrada finalmente bautizada por un nombre que evoca todo, lo perceptible visualmente, las referencias y lo afectivo de algunas escenas.
o como él mismo cito: "Cuando se busca la simbología y el misterio, se contacta con una enorme sorpresa: la realidad" ELVIS AVIV GUZMAN, EL SALVADOR..

Av Corrientes, Horacio Cóppola.

Nadie había todavía transitado la elegante gran ciudad de Buenos Aires con una Leica en sus manos, sin embargo entre los miles de transeúntes, trabajadores, niños y enamorados, estaba el flaneur Horacio.
Un luminoso Buenos Aires con cine - teatros, todavía empedrado y hombres de sombrero y sobretodo quedarían inmortalizados, ahora, como documento en el tiempo en la visión de uno de los mejores fotógrafos que ha gozado tener Argentina.
Esta fotografía me lleva a querer un poco más el Buenos Aires que Horacio me mostró. Rezongan bandoneones y murmullos en cada uno de sus silenciosos disparos, embellece la ciudad, la enaltece, hace eterno un clasicismo que hoy se esconde pero aún existe, y si lo vemos, si vemos el empedrado, los coches, los faroles y los charcos, todavía los reconocemos, gracias a los ojos de Horacio.
Puedo caminar Av. Corrientes y encontrarlo en cada rincón.
Monserrat Marín, Buenos Aires, Argentina.

Sebastiao Salgado, GENÉSIS, Isla Georgia del Sur.

Desde que tengo uso de razón, el fotógrafo que ha logrado conmoverme siempre es Sebastiao Salgado.
Hace unos días, tuve el honor de presenciar su obra monumental GENÉSIS en el ICP (International Center of Photograhy) en Nueva York. Recorriendo el lugar, viendo cada una de sus fotografías a gran escala, mi emoción iba aumentando.
Es muy difícil elegir una foto preferida. Pero GENÉSIS de Salgado es impresionante. No solo es una denuncia contra la desaparición de espacios naturales, nos habla de la majestuosidad de nuestro planeta y de la fragilidad de aquellos lugares remotos que aún no han sufrido a causa de la actividad humana, como la Antártida.
Esta fotografía muestra una mirada cautiva y una advertencia sublime sobre lo que tenemos y lo que podemos perder.
Técnicamente impecable, gracias a un gran manejo de contraste y sombras en blanco y negro, nos muestra la fuerza de la naturaleza, insertada equilibradamente en un entorno físico hostil.
No se pierdan el libro de Salgado. En realidad, no se pierdan ninguno de sus libros.
Pablo Tesoriere, Buenos Aires, Argentina.

Retrato, Sebastiao Salgado.

Que misión mas difícil de poder escoger una fotografía para definirla tu favorita, en este caso es mas complicado aun, por que escogí un trabajo de un gran fotógrafo como es Sebastiao Salgado, que retrata con natural maestría la esencia humana su fragilidad y su fuerza en un oximorón equilibrado y que a pesar de las vicisitudes de la vida somos iguales y tenemos las capacidades de afrontar la vida. Esta foto es portada de su libro África, síntesis de mas de 40 reportajes a lo largo de este salvaje continente, demostrando la valentia de poder estar en lugares realmente de donde las situaciones climáticas y de vida son críticas, pero en una relfexión las intuitiva de sus obras es posible ver con claridad la transparencia del ser, ese sentimiento, esa chispa que te hace humano. En esta foto vemos como la mirada de la niña, en un contexto adverso a la felicidad de un niño, denota ternura, simpleza y grandeza te deja sin aliento esta y las demás obras que compilan el libro África además la fotografía y todas las retratadas por este exelente fotógrafo en sus aspectos técnicos y metafóricos son dotada de enorme belleza artística que, tal vez por contraste con lo descarnado de su contenido, nos conmueve aún más y grita a los cuatro vientos que este es un medio de expresión único, los invito a degustar mas de este señor fotógrafo y de sus obras
Por Carlos Fiengo Pericon. La Paz, Bolivia.

Naranjas, John Batho

El arte retorna permanentemente a su origen" Egon Schiele.
De chica, gustaba saborear tierra. Alma de lombriz hizo degustar textura, devorar color. Chicle de brea y sabores extremos en el cemento, en la manzana verdísima y muy ácida, o en la naranja naranja.
Aún hoy la librería y sus olores, el papel, una caja de lápices, acariciar gamas con placer del mejor postre. Abrir un libro es asomarse a su olor, a sus texturas. Y éstos, son sus mensajes silenciosos. Pero las fotos no huelen. Incluso en vano intentamos acariciarlas algunas veces con nostalgia buscando su cuerpo, su textura, su materialidad sugerida.
Aun así, creo que algunas tienen ventanitas y nos permiten agarrar ese casi nada de mundo que se nos escapa, se nos pierde incesantemente.
Y a veces, logran agarrar algo, casi nada, de la corporalidad del mundo primero que es mundo lleno de olores, de texturas, de sabores.
Por eso, algunas fotos se me hacen alimento, entonces, saboreo, exprimo su color y su espesor plasmado en papel. Por eso estoy de acuerdo con Jean-Claude Lemagny cuando dice "...la fotografía (...) es también, y en último análisis, el surgimiento de la tierra en su opacidad impenetrable, con su fecundidad muda..."
Por eso elijo esta foto, (aunque podrían ser muchísimas otras también), porque John Batho con sus intensidades, me genera este particular placer de los sentidos primeros.
Por Natalia Buch, Bariloche.

Paul Simonon descontrolado, Pennie Smith.

Desde mi adolescencia me impactó esta tapa y esta foto. En ese entonces ni me imaginaba que iba a ser fotógrafo en el futuro, aún era un puntero en juveniles con aspiraciones e ilusión de ser un gran futbolista.
Mas tarde comencé a hurgar en la historia, en cómo fue tomada y sobre todo en quién estaba detrás de la cámara.
Ocurrió al final de un concierto ofrecido por los Clash en 1979, año de salida del álbum London Calling: su bajista Paul Simonon descontrolado, se dice que fue por estar desconforme con el sonido de esa noche, comienza a destruir y golpear su bajo contra el piso. A unos metros de él la fotógrafa de rock Pennie Smith disparaba su cámara lo más velozmente posible tomando varias instantáneas (se conocen una o dos más descartadas) sin saber que dentro de su carrete ya tenía plasmada una de las mejores fotografías de la historia del rock.
Al momento de las reuniones para definir el arte del disco esa fotografía era la favorita para ser la portada. Pennie Smith se negaba ya que la imagen estaba apenas desenfocada y no quería incluirla porque le parecía un grave error fotográfico. Pero Joe Strummer, líder de The Clash, no tenía ninguna duda, la fotografía debía ser esa sí o sí a pesar del foco y de lo que sea. Y lo fue... luego armaron la tapa del disco en torno a esa foto, rindiendo homenaje en su diseño al primer disco de Elvis Presley.
Esta fotografía remite a lo ideal en el rock: furia, fuerza, disconformidad, música y estética pura!!
por Leo Barizzoni, Uruguay

The New Crowd 51, Misha Gordin.

Se hace difícil elegir una única fotografía entre tantos autores y sus grandes obras pero teniendo debilidad por la fotografía conceptual elegí uno de mis autores favoritos, el fotógrafo ruso Misha Gordin. Su concepto más importante es el hombre y su dimensión desde el encierro y la soledad.
Sus trabajos son todos en blanco y negro recreando una atmósfera de constante búsqueda para expresar sentimientos y pensamientos.
Plasmar realidades sacadas de una imaginación surrealista, es lo que lo ha llevado a desarrollar estos conceptos que muestran la fragilidad del hombre enfrentado a su propio mundo, a un mundo que lo aleja y que lo confunde en la masa pero que a la vez lo rescata desde su propia individualidad.
por Valeria Yevara, Bs. As.

Helen Levitt, New York 1940.

Levitt explica que decidió hacerse fotógrafa porque quería ser artista y no sabía dibujar. Las calles de la ciudad de New York eran su ambiente.
Tomó muchas de sus fotografías antes de que llegara el aire acondicionado y la televisión, cuando los placeres y dramas se vivían en las aceras. Sus fotos no eran posados sino encuentros, así que debía ser paciente e intuitiva, con un ojo excepcional para el gesto y la composición y un profundo conocimiento del comportamiento humano.
Me entusiasma esta imagen por la curiosa postura de la niña; por el color cálido del coche en primer término destacando sobre el fondo gris azulado; por el aparente desequilibrio de la composición; por el valor que tiene cazar un momento así, justo antes de que la niña se levante o nos mire. Al no verle la cara, la imagen es menos humana y más geométrica pero consigue recordarme mil momentos en que de pequeña he olvidado el mundo que me rodeaba enfrascada en mis juegos.
por María Ulacia, España.

Estibador de Carbón. Walker Evans.

El autor es Walker Evans y fue tomada en La Habana en el año 1933. Evans fue mejor conocido por su trabajo para "Farm Security Administration" durante la gran depresión de Los Estados Unidos de América. Tendía a usar una cámara de largo formato 8x10 pulgadas. Decía que su meta como fotógrafo era hacer fotografías que fueran literales, autoritativas y transcendentes. En mi opinión esta foto refleja todo eso.
Es un retrato sencillo, y sin embargo te da la impresión que puedes leer la vida de este hombre en su rostro. Un hombre que ha trabajado duro siempre y nunca ha tenido nada fácil, con las marcas del tiempo en su rostro. Sin embargo continúa y persevera, por que siempre hay una esperanza. Lleva consigo sus herramientas y se siente seguro con ellas al hombro, como a sabiendas, de que con ellas puede contar para todo. Y son como el recordatorio del peso de la familia en sus hombros, y sabe que no puede fallar. Para aquellos que no conocen mucho la historia de Cuba, esta foto data del último año del gobierno de Gerardo Machado, Un Ex General del ejército libertador de Cuba, devenido presidente y que mas que prosperidad, trajo sufrimiento y hambre al pueblo Cubano. Algo que también se refleja en el rostro de este minero.
por Rainy Silvestre, Matanzas, Cuba.

Estudio de Mondrian. André Kertész.

Descubrí esta foto en un viaje a París con solo 20 años la vi en una local que vendían souvenir, esta pequeña postal cerca del Pompidour marco de por vida mi concepción de como componer. Fue realizada en l926, por André Kertész, fotógrafo nacido en Budapest en 1894 y que sirvió como fotógrafo en la I Guerra Mundial. Resultó herido y a la conclusión de la guerra decidió destruir todos sus negativos. En los años 20 se traslada a París donde conoce a Brassai con el que empieza a colaborar con revistas de moda.
Esta fue la primer imagen que hizo Kertez a su llegada a París en el estudio de Piet Mondrian.
Su simplicidad, su simetría austera, hicieron que, a partir de allí todas mis fotografías sigan ese canon.
por Claudio Larrea, Bs. As.

Unión de la felicidad, Autor desconocido.

Recuerdo que esta imagen la vi cuando tenía unos 14 años, en una clase de historia en el colegio, ahora a mis 24 años cada vez que la veo me causa la misma impresión "unión y felicidad", ahora investigando un poco sobre la historia de la foto me sorprendo al ver que se titula la unión de la felicidad.
Acá se explica lo ocurrido tras la fotografía: Un antropólogo propuso un juego a los niños de una tribu africana. Puso una canasta llena de frutas cerca de un árbol y le dijo a los niños que aquel que llegara primero ganaría todas las frutas.
Cuando dió la señal para que corrieran, todos los niños se tomaron de las manos y corrieron juntos, después se sentaron juntos a disfrutar del premio.
Cuando él les preguntó por qué habían corrido así, si uno solo podía ganar todas las frutas, le respondieron: UBUNTU, ¿cómo uno de nosotros podría estar feliz si todos los demás están tristes? UBUNTU, en la cultura Xhosa significa: "Yo soy porque nosotros somos."
Interesante no? tenemos mucho que aprender y trabajar para ser mejores personas cada día.
por John Alejandro Cerda Latoja, Chile

Snow monkey, Jasper Doest.

Leyendo, mirando noticias vi esta imagen me paré, me cautivó.
Me empapó de un sentimiento de tranquilidad, serenidad y apaciguó cualquier movimiento, para respirar y observarla. Otras muchas me alteran por su dinamismo como carga social o otras aparecen serenas por su paisaje lineal predecible. Pero esta imagen conlleva carga emocional, de reflexión, calma emotiva y desasosiego, todo ello mostrado por el ser vivo que nos antecede en nuestra existencia.
Pareciendo volar, suspendido en el espacio, un mono vuela entre nieve, pensativo en la nada.
por Diana Duarte, Costa Rica

La alegría de vivir, Weegee.

Weegee era un fotógrafo Neoyorquino del entre-guerras, unos de los pioneros de los reporteros fotográficos. El tipo cuenta en una pequeña autobiografía que estaba colgado de la radio de la policía y que llegaba a las escenas de crimen apenas escuchaba el reporte, incluso antes de la policía. Se había montado una especie de laboratorio fotográfico en el baúl de su auto y vendía las fotos allí mismo a los reporteros de los diarios para ilustrar su artículos.
De allí su apodo, Weegee, en referencia al Ouija, un juego que permite adivinar el futuro.
Ver un libro de sus fotografías es descender a la bajos fondos de Nueva York, sobre poblados, violentos y pobres. Las notas de humor que fue capaz de agregarles a estas escenas, como en esta foto, el título de la obra que se lee es "La alegría de vivir", es una picardía, resume así mismo el gusto de Weegee por sacar fotos a esta ciudad en toda su decadencia.
por Pauline Vignoud, Mendoza

Pescadores en zancos, Weligama, Sri Lanka, 1995 / Steve McCurry.

Una de mis fotografías preferidas de Steve McCurry, fuera de la ampliamente reconocida, Niña Afgana. Esta captura nos muestra a pescadores en la costa sur de Sri Lanka, arrojando sus líneas a la manera tradicional, en la cima postes para que puedan trabajar en aguas poco profundas y sin molestar a los peces.
La imagen muestra a tres pescadores sentados encima de una serie de postes en el agua, a la manera de zancos fijados al suelo marino. Muchos de estos hombres se quedan allí durante horas, sin embargo, con el desarrollo de nuevas tecnologías de pesca más eficaces es una tradición que está desapareciendo rápidamente.
La fotografía de McCurry captura la belleza de una tradición cultural y con ella una coreografía natural. Esta imagen también preserva una práctica hoy se ha perdido debido a la tecnología, esta técnica de pesca artesanal ya casi ha desaparecido en los años transcurridos desde que se tomó la fotografía.
por Mauricio Caminos, Entre Rios

Pekin 1965 - Marc Riboud.

Cuando empecé a tomar fotos y inspirarme de los "maestros", descubrí la obra de Marc Riboud. En 1953, se incorporó la agencia Magnum con Henri Cartier Bresson y Robert Capa.
Lo que me encanta de la obra de Marc Riboud es que es difícil de definir: fotoperiodismo, fotografía de la calle, o simplemente es un gran curioso?
Su padre le había dicho: "Si usted no puede hablar, usted sabrá tal vez ver." Cuál es perfecto para mí también. Lo que me gusta de esta foto es la libertad que tuvo Marc Riboud, por esta tiempo. No hay un plan, sino múltiples lecturas. Más allá de eso, el diseño es perfecto, Marc Riboud estaba allí, presente en el momento adecuado.
Puedo mirar esta foto veces y veces y todavía estar sorprendida con su geometría y su sensibilidad.
Me encantan las miradas ofrecidas al fotógrafo. El sabía cómo ser un espectador y "escritor" del momento.
Siempre me he sentido atraído por Asia, pero aquí no veo sólo el "exotismo", sólo una escena de calle que, sin el ojo del fotógrafo mago, siguen siendo algo común.
Henri Cartier Bresson, decía de una imagen que debe ser considerada en todos los sentidos y mantener el equilibrio. El hablaba de su obra. Esta foto es un buen ejemplo de las lecciones de HCB.
El trabajo de Marc Riboud, sigue siendo (en mi opinión) demasiado desconocido pero que riqueza.
por Elizabeth Char, París

Sebastiao Salgado.

Cuando el amigo Jorge Piccini me propone participar en esta sección no imaginé que iba a ser un nuevo e interesante camino de descubrimiento, infinidad de veces recorrido, y nuevo cada vez que se lo emprende.
El desafío de distinguir entre lo que me gustaría alcanzar en una de mis imágenes y lo que me gustaría colgar en mi pared para ver y disfrutar cada día descubrir de que manera diferentes autores en distintas épocas tiñeron mi propio trabajo, tiñeron mi estética, y hasta quizás mis anhelos distinguir entre la fotografía bella por su esencia, bella por su inteligencia y relato, bella simplemente por su estética o todas al mismo tiempo.
Diversos autores me han movilizado a lo largo de estos últimos y vertiginosos años de Internet, es complejo... Soy de la generación de los libros y las revistas...y el mundo de hoy lleva todo a otros niveles de estímulos visuales, referentes o incluso bombardeos y saturaciones... será que las imágenes de hoy viven menos que antes, todo es mas rápido no?
Lo cierto es que me inclino mas por autores y formas de vida que por fotos, y puede resultar complejo resumir tanto de uno en una sola foto, pero en el intento ha decantado esta imagen de Sebastiao Salgado. Describirla creo que sería como tratar de explicar una poesía pero me cautiva todo en esta foto, su estética, su relato, su técnica y sobre todo, su energía...
por Iván Zabrodski, San Juan

Freak. Diane Arbus.

Son muchos los fotógrafos que me han inspirado y me han enseñado a amar la fotografía. Es por eso, que elegir la foto que más me guste se me hace imposible.
Dentro de todos esos grandes de la fotografía que he podido conocer a lo largo de este tiempo, una mujer llamada Diane Arbus, fue indudablemente la que, en mis comienzos, logró introducirme en su magnífico mundo, generando en mi, curiosidad y profunda admiración.
Esta foto muestra una parte de ese mundo, llamado Freak. Diane se alejaba de aquellas fotos perfectamente compuestas e iluminadas y en cambio utilizaba flash directo hacia sus modelos lo cual acentuaba aun más la rareza de sus personajes.
En todas sus fotografías se pueden ver personas y expresiones poco agradables que ella buscaba intencionalmente, encontrando la belleza en cada una de ellas.
por Sabrina Pernich, Bs. As.

A Wish For Peace. Hengki Lee.

Un susurro por la paz fue mi fotografía elegida, dentro de una gran serie plagada de una atmósfera onírica que trasmite este fotógrafo. El motivo, el mensaje que transmite, más en esta época tan difícil donde la intolerancia muchas veces no deja ver las cosas claramente.
El trabajo de Lee a través del uso de contraluces y blanco y negro, genera profundas y melancólicas siluetas que evocan el mensaje. A través de simples formas podemos captar la emoción, la esperanza y ingenuidad de un deseo infantil que todos deseamos algún día pueda alcanzarse.
Según su perfil en redes sociales, este artista se autodefine como un fotógrafo aficionado de Yakarta (Indonesia). Iniciado en la fotografía allá por agosto de 2009, apasionado además por la lectura y escribir poesías.
Disfruta mucho de ver películas o leer historias que tienen concepto único, inusual o extraño, que pueden generar emociones y curiosidad. El concepto de su trabajo se trata simplemente de la curiosidad, el sueño, la poesía y la emoción.
"La belleza de ser diferente" es el mensaje que busca transmitir al presentar sus obras...
Por Mauricio Caminos, Entre Ríos.

Río de camas en playa Saunton Sands - Robert Dowling.

Esta fotografía se utilizó para la portada de A momentary lapse of reason de Pink Floyd y siempre me llamó a antención tanto su composición como su concepto.
Fueron tiempos de muchos problemas judiciales por parte de Roger Waters y lo que quedaba de la banda original (Gilmour, Mason, Wright). Su concepto está en consonancia con el lugar donde se grabó la mayor parte del disco, el barco Astoría de David Gilmour sobre el río Támesis, de ahí la forma serpenteante de las camas, haciendo alusión a un río, el lugar elegido fue las playas de Saunton Sandsun Devon (Inglaterra) lugar con historia ya que allí mismo se rodó también la mayoría de las secuencias de guerra de la película The Wall dirigida por Alan Parker.
Para esta toma se utilizaron 1000 camas, cuenta Nick Mason que en el momento de la toma tuvieron todo tipo de problemas con mareas râpidas y mal tiempo.

Le Baiser de l’ Hotel de Ville, París (1950) Robert Doisneau.

En esta fotografía, Doisneau captura la eternidad de un beso apasionado que trasciende el tiempo y lugar. El era un fotoperiodista y documentó la resistencia Francesa, fotografió imágenes icónicas de París durante la ocupación y la liberación después de la guerra, y fue conocido por sus retratos realistas de la vida ordinaria de los citadinos en ese período.
Escogí esta fotografía en particular, por que para mi representa un momento real y espontáneo de 2 personas en un entorno muy particular, y cada ves que veo la fotografía, imagino una historia diferente. Para mí una fotografía que pueda tener este efecto, es algo increíble y hace de ella algo mas que una imagen, una conexión con lo sentidos.
El junto con Henri Cartier-Bresson y Eugéne Atget han sido una gran inspiración en mi trabajo.
"Las maravillas de la vida diría son tan increíbles, que ningún director de cine puede crear lo inesperado que encuentras en la calles." Robert Doisneau.
por Jairo Rojas Villalobos, Costa Rica.

El triunfo de la muerte, Oscar Bony (1998).

Sin lugar a dudas la obra más conocida de Oscar Bony es "La familia Obrera" de 1968 que pude ver por primera vez en la Bienal de Sao Paulo 2010.
Decidí elegir una fotografía de la serie "El Triunfo de la Muerte" (1998) son 6 fotografías de 127cm x 102cm que se pueden ver en el Museo Malba.
El Triunfo de la Muerte pareciera componer el intento desesperado del artista por fugar hacia delante ese cuerpo fulminado por el plomo. La secuencia, alterada, sin una continuidad estricta, tiene siempre el mismo resultado: no hay escape de la mortalidad. Todo lo que queda es intentar poner un orden en ese devenir caótico, como piezas de un rompecabezas que no terminan de encajar, pero cuyo cuadro final entendemos desde el principio.
La muerte, claro está, también tiene su dimensión política. El cuerpo que se nos muestra es baleado por una Walther alemana - la misma marca de pistola que llevaba Rodolfo Walsh cuando fue ultimado -, una muerte exagerada, casi de fotonovela, en ese blanco y negro del hombre trajeado que sólo encuentra expresión propia en su instante final.
El acto de la muerte no deja, sin embargo, de ser un acto.
por Javier Abreu, Bs. As.

Summer Nights, Walking, Robert Adams.

Elijo una toma, pero la intención es revivir el espíritu de la serie.
Fué en una muestra en la galería Matthew Marks de Nueva York en abril de 2010 cuando por primera vez entré en contacto con la obra de Robert Adams (1937) "Summer Nights, Walking" era su título y reunía paisajes nocturnos hechos entre 1976 y 1982 en Longmont, Colorado.
Imaginé la caminata por el suburbio al final del día, protegido por la sombra nocturna y de alguna manera inquietante, amenazado por ella. La soledad de las calles arboladas, la luz que decae y las lámparas que se encienden.
El silencio apenas perturbado por pequeños ruidos. La sensación de espiar y la posibilidad de ser espiado.
Los perfumes del verano agigantados por la noche. Y fué a través de esa experiencia, serena y perturbadora a la vez, que sentí el poder de las im´genes.
por Nora Aslan, Bs. As.

Francesca la niña prodigio, Francesca Woodman.

Cargado de inspiración, empapado de gran creatividad y clausura. Quería entender el arte de Francesca, perderme, sentir que es desvanecer y mimetizarme con el entorno en una pared derruída. Me vi completamente influenciada por sus autorretratos, verme en el espejo a veces, era sentir como si me viera a través de los ojos de esta niña.
Una artista joven, dedicada a plasmar su propio cuerpo, nos lleva a entender a través de su continuo trabajo personal, la frágil realidad, el deseo de explorarse así misma y sus repetidas ocasiones de ocultar su rostro, esto se entiende ya que su narrativa proviene de la propia desaparición de ella misma y de su fusión con el entorno.
A pesar de que siempre se fotografía desnuda, sólo en pocas ocasiones permite que se vea su rostro.
Sus imágenes parecieran ser un espejo de su estado de ánimo y del juego etéreo lleno de luz en donde su ego y juventud afloran contundentemente.
Con sus imágenes, manipula al espectador no demostrando a un verdadero individuo, el resultado de éstas parecieran extraídas del surrealismo.
Entendamos al autorretrato como una representación de las emociones y un profundo autoanálisis, es por esto que esta imagen hace que sea mi favorita, estoy en búsqueda en el espejo al igual que ella.
por Andrea Alcázar, México.

La soledad de los cuervos, Masahisa Fukase.

Hace un par de años, buscando autores para proyectar y estudiar en los talleres de fotografía, mi amigo Gabriel Díaz me acercó el libro The Solitude of Ravens (La soledad de los cuervos), del fotógrafo japonés Masahisa Fukase. Me lo dio mientras me decía que "le diera tiempo", repitiéndome la misma frase que había utilizado una vez en un viaje espiritual que hicimos para acercarnos a la obra del gran Robert Frank en Nueva York, en su muestra retrospectiva Moving Out.
Yo mismo le volvería a repetir muchas veces esas palabras, porque acuñan una gran verdad: hay obras que necesitan de su tiempo, de su espera, para hacer efecto, para despertarnos de nuestra propia comodidad, la de querer ver en un solo golpe de vista todo lo que puede transmitir una gran imagen.
Y éste fue el efecto que me produjo La soledad de los cuervos, el libro quizá más oscuro e iluminado que he visto.
Después de separarse de su mujer, hundido en una gran depresión, Fukase empieza un trabajo fotográfico que llevó adelante durante diez largos años, dando a luz este ensayo triste, trágico y solitario.
Desde el comienzo, el libro se vuelve inquietante y oscuro. Cuervos que nos sobrevuelan presagiando desgracia. Se sospecha que algo puede ocurrir, que nada feliz puede pasar; y al avanzar por sus páginas, lentamente nuestros cuerpos parecen cubrirse de plumas negras, nuestra boca se transforma en pico y nuestras manos en filosas garras. Los seres humanos nos ponemos el manto oscuro de la desolación.
Y en este desconcierto aparece una fotografía que siempre me fascinó.
Se ve el mar, impenetrable. Las aguas calmas emanan un vapor que no hace más que incomodarme. Adelante, unos pájaros oscuros nadan sin rumbo preciso, al igual que un bote se adentra en las profundidades, se interna en la niebla espesa. ¿Hacia dónde van? ¿Se despiden de este mundo? ¿Qué simboliza esta imagen? ¿Es el infierno?
Fukase nos da una lección; que lo importante es el camino y no el resultado, que siempre vale la pena transitarlo, por menos respuestas que conozcamos.
Este artista trabajó durante diez años sin dirección aparente, buscando respuesta a su tristeza, y esto quizá sea lo más hermoso que nos pueda brindar el arte. Nos dice que la vida es un sin sentido, que pequeños gestos como el de Fukase, llenos de amor y entrega, nos dan un pequeño alivio a nuestras penas.
Así como no podemos sostener mucho tiempo una mirada, tampoco podemos sostener mucho tiempo la alegría.
La soledad de los cuervos fue su último trabajo, antes de que cayera en coma, al caerse de la escalera de su casa.
por Daniel Muchiut, Bs. As.

Gitano y caballo, (1968) Rumania, Josef Koudelka.

Uno de los fotógrafos que mas me cautivó cuando comenzaba a sacar fotos a finales de los 80 fue este chescolovaco nacido en 1938.
Koudelka siempre fue para mí más que fotógrafo una especie de mago con poderes increíbles para pasar idesapercibido y regalarnos momentos que nos tocan el alma, siempre lo sentí como un artista impecable.
En esta foto de la serie Gitanos de Rumania, siempre me impactó la conexión entre bestia y hombre, siento que estan teniendo una comunicación profunda. La dirección de las miradas es fundamental.
El caballo de pelaje claro y el hombre con su traje negro, la pared y el piso como marco sutil para disfrutar de un instante unico, irrepetible que el gran Josep supo captar.
por Patrick Liotta, Bs. As.

Oda al trabajo y La niña y el perro. Pedro Luis Raota.

Conocí la obra de Pedro Luis Raota de la mano de mi padre cuando yo tendría unos nueve o diez años. Recuerdo una galería larga y muy bien iluminada con una puerta al fondo y con las obras perfectamente enmarcadas en un riguroso blanco y negro. Luego me enteré que ese era además su domicilio, creo que en Vicente López.
Supongo que las fotos tendrían un tamaño de 50x60 cm pero a mi me parecían gigantes y en ese momento observando su obra decidí lo que quería ser de grande: FOTOGRAFO.
Quería poder generar las emociones que estaba sintiendo yo mismo en aquel momento observando cada una de sus fotos.
Raota no creía mucho en el "momento decisivo" a lo Bresson y fue muy criticado porque se decía que elaboraba demasiado sus fotografías pero a esas críticas el respondía"... Un fotógrafo imagina una imagen, y si esa imagen que imagina no existe, la creará como lo hace un director de cine..."
Coincido plenamente con este criterio ya que lo único importante es transmitir mediante el arte un sentimiento, una emoción... y Raota era un hombre sensible con un lenguaje propio y demoledor ya que sus fotos podían generar una sonrisa o el llanto como el de la niñita del paraguas observando a su perro recién atropellado. Muchos consideraron esta foto como de mal gusto pero la realidad es que Raota tenía un amigo muy cercano que le pedía que le saque fotos a su niña. Un día el artista vio en la calle un perro muerto y llamó a su amigo para que traiga a su hija... esa es la historia de la foto y de como trabajaba este gran artista cuya obra parece haber caído en el olvido ya que no se reeditó ninguno de sus libros ni se organizó muestra de su frondosa obra, tanto es así que muchos estudiantes de fotografía, hoy ni lo conocen.
Para mi Pedro Luis Raota es El referente de la fotografía artística argentina, a el se le debe que este arte fuera reconocido en el mundo gracias a los innumerables premios internacionales que ganó. Y a mi repito, me hizo querer ser fotógrafo.
por Walter Belfiore, Pilar, Bs. As.

The resistance of bodies, Antoine D’ agata.

Con Carlos siempre decimos "cuando uno expone una imagen, se expone". Esta foto de D’ agata me hace empatizar directamente con su persona. La imagen transmite algo que creo indispensable para la fotografía, la honestidad, el relato veraz. El peso que carga la obra de Antoine D’ agata es el que él mismo carga en su espalda. Aquí no hay especulaciones técnicas sinó una técnica ligada al modo de vida del autor. Esa transparencia, esa coherencia, esa verdad convierte esta imagen en una de mis favoritas.
por Nahuel Alfonso, Bs. As.

Fosters Pond (1989), Rafael Minkikinen.

Si bien es casi imposible decantarse por una sola imagen entre las de tantos grandes maestros, confieso cierta debilidad por la obra del finlandés Arno Rafael Minkkinen.
En mi opinión, es un fotógrafo conceptual que ha logrado elaborar una propuesta visual innovadora en un campo donde durante mucho tiempo se ha dicho que ya estaba todo fotografiado. Su sobriedad, comprensión de la luz y una cierta dosis de humor, configuran un estilo personal inconfundible.
Es uno de los autores que más me ha influido y cuyos valores estéticos intento tener presentes cuando abordo mi propio trabajo. Amo esa sencillez formal, la precisión técnica y la creatividad que transmiten todas sus fotografías.
por Christian Fernández, México.

Weeki Wachee, Toni Frissell.

Esta foto de Toni Frissell me enamoró, fue amor a primera vista y la conocí en una batea de una disquería, en la sección de jazz.
Era la portada de Undercurrent de Bill Evans, ahora uno de mis discos preferidos. Compré el cd por la tapa, suelo hacer esas cosas, pero esta vez había algo más. La foto era todo, pero quién la había tomado? Cómo la hicieron? Quá cámara, qué técnica? No entendía cómo habían logrado algo así en esa época. Ahora que los celulares toman fotos debajo del agua, ya no sorprende tanto, pero esa toma era real, analógica, y para mi imposible en esa época.
Llegué a casa y busqué la foto, encontré a la autora y me enamoré de su trabajo.
Es el día de hoy que sus fotos me reconfortan y me hacen recordar que nada es imposible si estás dispuesta a ver lo que tenés encerrado en la cabeza.
por Alexa Rabbit, Bs. As.

Greer and Robert on the bed. Nan Goldin NYC 1982.

La foto que elegí tal vez no sea mi favorita, sino toda la obra de esta fotógrafa admirable. Me conmueve por lo under, cargada de una densidad de un vacío entre estos dos seres. El ácido tono asemeja a una pintura vieja, me resulta tremendo el atrevimiento de mostrar esta intimidad, la mirada de Greer contemplativa (tal vez perdida en un "viaje") y la indiferencia de Robert.
Las máscaras llamativamente pintadas denotan aún más la distancia entre la pareja.
La producción fotográfica de Nan Goldin suele ir en contra de la moralidad de la clase media estadounidense, ha fotografiado la vida sexual y sentimental de su entorno, no como una voyeur sino como protagonista. Ella nació en 1953 y vivió la locura del Punk en NYC durante los 80.
Sus trabajos son narraciones mismas. Huye de la perfección, no manipula ninguna de sus fotos, no le interesa la belleza como tópico, si hay o no hay luz, si quedan borrosas.
Muestra situaciones instantáneas; la vida de la gente, el momento. Podría decirse que su obra es "antropológica cultural" de ella y su entorno.
Una fotógrafa intimista, ella se considera "fotógrafa documentalista". Plasma las primeras imágenes sobre los efectos devastadores del Sida como si las fotos pudieran curar de esta tremenda enfermedad.
Esta imagen es brutal, potente y tierna, como Nan.
Imágenes de la gente de la noche, junkies, trans, imágenes en hospitales, en la intimidad de una pareja mientras hace el amor, en el baño, en la soledad, en la desnudez total, el amor, el dolor, la tristeza, la alegría, la vida misma.
por Miriam Coria, Bs. As.

La niña Afgana 1984 - Steve McCurry.

El mundo quedó perplejo con su mirada, cuando en 1985 apareció en la portada de National Geographic.
La profundidad de su mirada lograda por uno de los Maestros de la fotografía documental, Steve McCurry, nos coloca en el sufrimiento de estos pueblos en los campos de refugiados, y sobre todo la degradación de la mujer en estas culturas.
Pero ¿quién era esta niña?, hasta que en 2002 luego de 17 años, el equipo de National Geographic, con Steve McCurry a la cabeza, se lanzan a la aventura de lograr encontrar nuevamente a la niña.
Partiendo del campo de refugiados "Nasir Bagh", donde se había tomado la fotografía. Luego de algunos datos equívocos sobre su localización, aparece en un pueblo que se llama Tora Tora. Su nombre es Sharbat Gula, la niña afgana de la tribu de los "Pashto". Este es para mí, uno de los retratos más impactantes.
...17 años después, su piel había madurado por el sol, las líneas geométricas de su mandíbula se habían atenuado, pero sus ojos conservaban la profundidad de siempre...
Steve McCurry.
por Oscar Dechiara, Santa Fe.

Le Violond’ Ingres (1924), Man Ray.

Esta fotografía es según mi criterio una de las imágenes más emblemáticas del Fotógrafo, pintor y escultor Man Ray, cuyo verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. Mediante su extensa serie de fotografías contribuyó a conectar el mundo de la fotografía con el movimiento surrealista que surgía de la mano de André Breton y tenía como integrantes a artistas de la talla de Dalí, Miró, Magritte y Duchamps en las artes visuales y Jacues Prevért, Paul Eluard y Antonin Artaud en literatura.
Man Ray dejó de lado el lugar de la representación, es decir el concepto de la foto como espejo de la realidad, para convertirse en un mago de la manipulación fotográfica, produciendo increíbles efectos gracias a las distintas técnicas que utilizaba. Estas técnicas hicieron que la fotografía tradicional recibiera una nueva forma conceptual de visión estética; abrió puertas a nuevas maneras de pensar y de ver el horizonte general de la fotografía, amplió perspectivas emocionales y visuales, convirtiendo a sus imágenes en verdaderos paradigmas.
por Tomás Casares, Bs. As.

Less Than One - Alexander Gronsky.

"Less Than One" es un proyecto fotográfico sobre las regiones ultraperiféricas de Rusia, donde la densidad de población es menos de una persona por kilómetro cuadrado.
Fotografiando los vastos paisajes vacíos investiga la noción de psicogeografía, los efectos del medio geográfico en las emociones y el comportamiento de los individuos.
Su preocupación por el detalle, la menuda escala humana en sus paisajes y la rigurosa composición de sus fotografías hace de este fotógrafo estonio uno de mis preferidos.
por Guillermo De Angelis, Rosario

Autorretrato - David Nebreda.

Cuando Jorge me propuso escribir sobre mi foto favorita lo primero que se me vino a la mente fue "obvio, Joel Peter Witkin", el fotógrafo que me llega al alma.
Unos segundos después recordé que en el último taller que realicé con Nelson Garrido, él me presentó a un fotógrafo muy poco reconocido, un español, David Nebreda. Acá va una de mis fotos favoritas, aunque en realidad lo que me fascina es toda su obra en conjunto, y si lo pienso mejor creo que lo que realmente me fascina es él, David.
Me resulta muy difícil hablar sobre su fotografía, ya que creo que es algo que no se explica con palabras, tiene más que ver con el revoltijo interno que te ocurre cuando mirás sus fotos. Siempre pensé que la fotografía en general no tiene otro fin más que el de exorcizar los "demonios" del hacedor de fotos, y creo que ahí es dónde va Nebreda, sin más pretensiones "artísticas".
Este es un párrafo en donde él mismo reflexiona sobre la violencia, creo personalmente que hay que leerlo con mucho detenimiento:
"La violencia no necesita ninguna explicación o justificación; es un argumento cultural e irrenunciable. La medida humana es un hecho insuficiente y violento, siempre insuficientemente violento; con un solo matiz, el silencio y la reducción a si mismo. Me parece que así se hace inteligente. La disciplina es inteligente, el pensamiento a partir del odio es una actividad madura, fértil y discreta; en una situación de aislamiento con resultado de lesiones o de muerte, la violencia solo es la trampa de un lenguaje olvidado. Desgraciadamente, he conocido diferentes formas de tranquilidad, y podríamos hablar de la extrema violencia de la tranquilidad. De todas formas, una cosa es el discurso sobre la violencia, otra cosa diferente es la sangre o el miedo humano, finalmente nuestra propia sangre y nuestro propio miedo. La violencia solo tiene un interlocutor y un alumno. Es una practica, un discurso, inmediatamente, miserablemente próximo."
y para que lo conozcan mejor, una web donde figura una entrevista y varias de sus fotos: elestudiodepascual.blogspot
por Melisa Scarsella, Bs. As.

El Alma dormida - Cristina García Rodero.

Esta imagen surrealista, contiene toda aquella visión poética del pasado. Sin escalas hacia el presente, nos transporta a España, en 1981 y es detonada por una misteriosa niña, levitando frente a la verja de un cementerio en Galicia. Jugando en su inocencia, llena de alegría, justo en el límite entre la vida y la muerte.
La fotografía lleva de nombre "El alma dormida" y es de la fotógrafa Española de la agencia Magnum "Cristina García Rodero".
Elegí esta fotografía por su alto contenido poético y surrealista en la composición.
Habita en ésta una dimensión temporal y define así su pertinencia al pasado, que retorna una y otra vez hacia el presente, para recordarle a quien la contempla, que no existe la muerte ni el olvido.
por Nicolás Riente, Bs. As.

Pierre Louis Pierson (1822-1913) Fotógrafo de la corte imperial francesa.

Virginia Oldoini (Condesa de Castiglione), se convierte en la primera modelo de la historia.
Me gusta mucho esta foto por varias razones. La historia en sí misma es fascinante.
Resumen coloquial ampliable en internet.
La condesa era una bella aristócrata. Cavour, su primo al saber de los encantos de la Condesa, le propone "infiltrarse" en París, utilizar sus servicios y de esta forma conseguir la unificación de Italia. Es sabido que a Napoleón III le gustan demasiado las mujeres hermosas, por lo que convencen a la condesa para que vaya a París en calidad de "espía", para "aconsejar" al emperador de que le conviene atacar al enemigo austríaco. Para este plan también han contado con el conde, su marido, que apoya la idea de que su mujer se convierta en agente secreto italiana.
La Condesa se paseaba por las fiestas de la Corte y por el estudio de Pierre Louis Pierson.
Una vez acabada "su misión" con Napoleón, el marido le pide que vuelva y ella encantada con la vida que llevaba en París se niega rotundamente.
Por otra parte, la foto sienta contundentemente bases fundamentales para la fotografía y la forma de abordar el retrato. UNA LUZ. Pierson utiliza una sola luz. Luz de día, desde arriba y de lado en su mágico estudio de París.
por Indiana Forti, Bs. As.

Hengki Koentjoro Photography - Indonesia (1963).

Es muy difícil elegir una sola, son todas increíbles. Admiro la simplicidad en la composición de sus tomas y su maestría con el uso de la luz, esas siluetas en blancos y negros tan marcados me recuerda al gran Ray Metzker.
Cada imagen suya me invita a la contemplación plena, me dan paz, siento la suavidad y sensibilidad del fotógrafo, del fotografiado y de cada ser que habita esta tierra.
Su fotografía de paisajes, tan etéreas, con bruma y en tridimensión de grises llevando al blanco y negro plenos, me emocionan, quizás me detengo mucho más en esas que en otras tomas porque mis fotos las he desarrollado principalmente en linea urbana, en retratos adonde la historia se lee en la mirada.
Elijo Playa Parangtritis - Yogyakarte - Indonesia, magnífica toma con esos reflejos y esa sensación de inmensidad, me parece realmente preciosa.
por Marisa Bonzón Heredia, Bs. As.

Sergio Larrain - Perú, Pisac, 1960.

Hace unas semanas atrás tuve la oportunidad de ver la exposición de un fotógrafo que admiro muchísimo , el cual es Sergio Larrain. Cuando llegué a esta imagen no pude contener la fuerte emoción que me provocó internamente. Me sacudió y recordó por que me apasiona tanto la fotografía, en especial la línea urbana que es en la que más me he dessarrollado y que como toda adicción no puedo dejar.
Todo me hablaba en esta imagen, la pequeña en el suelo abstraída en un algún tipo de crochet, el perro contrastando a la pequeña en su andar. La luz hermosísima, el brillo de los adoquines. Hace años no sentía dentro lo que sentí ese día y que agradezco me recordara no tirar la toalla y seguir en este camino..
por Geraldine Pacheco, Chile.

Anastasia Chernyavsky - Autorretrato con vida.

Difícil elegir una sola foto. Pero de entre todas las que tengo en mente, sin duda, esta es la que consigue remover algo dentro de mi cada vez que la pienso.
La foto habla sola. Pero lo más fascinante para mí, es la historia que tiene detrás. Este espectacular autorretrato pertenece a la fotógrafa Rusa Anastasia Chernyavsky. Uno de sus trabajos artísticos se llama "proyecto embarazo" donde registró cada una de las semanas de la gestación de su hija pequeña.
Tomó esta foto para superar su doloroso problema con el lactar "mi hija me veía llorar seis veces al día y decidí tomar una foto de eso para poder recordar un mejor sentimiento de este proceso de amamantar".
El resultado es una imagen preciosa, donde podemos ver a madre e hijas completamente desnudas, mientras Anastasia sujeta a su bebe, se puede ver cómo todavía sale leche de sus pechos. Para mí esta imagen es de una belleza y de una inocencia impresionante. Y el volumen, la luz tenue y la expresión de los rostros hace que la foto cobre todavía más fuerza. En resumen, pura vida.
por Carmina Gabarda, Valencia.

Oscar Pintor San Juan 1980.

Aparecen en la memoria infinidad de imágenes, fotógrafos del mundo y sus imágenes, lejanas y cercanas.
Difícil tarea la de elegir una foto, difícil tarea la de elegir.
Cómo poner la mirada en una sola imágen sin pensar en las que voy descartando?
Pienso entonces en el momento presente y en alguna imágen que haya despertado sensaciones y las siga despertando, recuerdo una revista que llegó a mis manos allá por los 80, recuerdo el nombre de Oscar Pintor y elijo una foto que quedó grabada en mi memoria, una de esas fotos en la que la figura humana esta presente sin estarlo.
por Delia Amelia Balido, Bs. As.

Sally Mann - Immediate Family - 1992.

Esta fotografía es una de mis preferidas porque al ser una imagen tomada con cámara de placa, da cuenta que la fotógrafa esperó el tiempo necesario para tomarla, hasta llegar a lo que Bresson llamó el "instante preciso". La imagen me transmite el placer que la niña siente mientras flota en el agua, su pelo y el alo de luz forman un círculo casi perfecto. Es de la fotógrafa norteamericana Sally Mann, que retrató a sus hijos, entre otros temas..
por Silvana Lanchez, Bs. As.

Mujeres presas en la cárcel - Adriana Lestido.

Cuando conocí esta foto yo estaba estudiando y tuve el inmenso honor de escuchar de la propia Lestido el proceso de este trabajo
Mujeres presas.
Este ensayo me conmocionó pero esta foto en particular me conmovió. Adriana Lestido tiene la capacidad de contar historias que traspasan la mera imagen y eso me pasó con esta foto. La mirada un tanto perdida, sin alegría y hasta casi inocente no se condice con la cuchilla que sostiene en las manos. Sabiendo que está en la cárcel y viendo esos ojos no puedo dejar de preguntarme qué historia hay detrás de ellos.
Esta imagen simple y compleja a la vez me conecta con el corazón humano, el sufrimiento, la diversidad y el amor. Y me recuerda por qué quiero seguir sacando fotos y haciendo registros de la vida y de lo que ocurre con eso.
por Ana Escobar, Bariloche.

Imogen and Twinka in Yosemite - Judy Dater.

Esta foto entró en mi vida en 1982, el año en que me enamoré de mi marido y fuimos a vivir al campo. El había adquirido una copia de esta foto en Alemania, pero no tenía ningún dato sobre ella.
Fue la primera foto artística que conocí y la primera foto que me despertara sentimientos y que invitara la interpretación. Pasaron los años y mi marido regaló la foto a un amigo cuya esposa, según le había comentado, se parecía mucho a la mujer desnuda... Por Internet, no hace mucho, comencé a estudiar la historia de la fotografía y leyendo sobre la vida y la maravillosa obra de Imogen Cunningham, una de las primeras mujeres fotógrafas norteamericanas, apareció la foto que tanto me había intrigado. Supe entonces que se titula "Imogen and Twinka in Yosemite", y que fue tomada en 1974 por Judy Dater, discípula y amiga de Imogen quien a los 91 años apareció en la foto con su cámara Rolleiflex, su vestimenta que parecía de otro siglo y sus accesorios excéntricos. Twinka era la modelo preferida de Judy Dater y musa de varios fotógrafos de la época. Aparentemente la intención original de la fotógrafa fue representar el voyeurismo, revertiendo la imagen usual del hombre vestido espiando a la mujer desnuda, pero creo que a la vez ha logrado algo mucho más sutil y conmovedor. Es una imagen memorable, cargada de sensibilidad y gracia; la luz, las texturas de piel, vestido, corteza, el homenaje implícito a la sensualidad libre de estereotipos, y a la nobleza y sabiduría de la vejez. La mirada que intercambian las dos mujeres parece repleta de posibilidades; la vejez rememora su juventud y la juventud flirtea con la cámara que la sabe capturar en todo su esplendor. Esta fotografía no sólo es una de las imágenes icónicas del siglo 20, un hecho que la misma Judy Dater lamenta ya que el resto de su obra ha sido opacado por su fama, sino que fue la primera fotografía de un desnudo frontal jamás publicada en la revista LIFE.
por Julie Monteith, Bariloche.

Street car in New Orleans - Don Chamblee

Esta foto de Don Chamblee es una de mis favoritas de los últimos tiempos.
En mi interpretación muestra 2 posibles dimensiones que suceden al mismo tiempo y en el mismo lugar pero en realidades diferentes y con una relación tiempo/espacio diferente. Sólo algunos pueden lograr lo que logra Don Chamblee conectando dos mundos y mostrándonos su coexistencia.
Ignacio Guerrina - Montevideo.

Approaching Shadow (1954) by Fan Ho.

Fan Ho es un maestro en en el uso de la luz. Sus composiciones son únicas, tienen perspectivas inusuales y dedicada elegancia y armonía. Casi todos sus trabajos son en blanco y negro o sepia creando atmósferas sobrias, armónicas, a veces melancólicas y altamente estéticas.
"Approching Shadow" es la obra de que más me gusta creada por este fotógrafo y director de cine chino. La imagen tienen gran potencia dramática, me transmite silencio, introspección y a su vez me remite a los miedos y las sombras.
La geometría triangular que logra con el claroscuro es un montaje creado por el autor, que decidió pintar de gris una pared en la cual imaginó este retrato. Recomiendo para quienes no conocen su trabajo que exploren sus obras, que contiene gran fascinación por la vida urbana, pero siempre logrando una grandeza poética y encuadres interesantes.
Tania Gatti - Bariloche

Fotografía de Claudio Pérez.

sta fotografía fue uno de los pilares del por qué estudiar fotografía. Esta imagen refleja un duro momento vivido en Chile, con esto me refiero a la Dictadura de Pinochet.
Está llena de símbolos, se puede realizar una lectura en ella, ya que se muestra el claro reflejo del poder y represión, en contraste a lo reducido y débil que se encuentra la ciudadanía o mejor dicho, el pueblo. Considero que la fotografía debe tener una lectura, debe tener símbolos y señales que nos cuenten sucesos o como en este caso, un hecho complicado y doloroso para todo un país. Fotógrafo documentalista y diseñador gráfico, nace en Santiago de Chile en 1957. Antiguo Miembro de la Asociación de Fotógrafos Independientes AFI.

Chester Pinto - Stgo. de Chile

de la serie "Son" - Cristopher Anderson.

Siempre me he sentido más atraido por las fotografías que conforman un conjunto, que cuentan una historia junto a otras. Es por eso que me es difícil elegir tan sólo una. Ya no me interesan las fotografías por su belleza,ni técnica, si no por lo que transmiten, por lo que provocan cuándo las miro. Esta fotografía que elegí es parte de la serie "Son" del fotógrafo Christopher Anderson. La escogí por su simpleza y ternura. Me transmite calidez. Calidéz de una familia que sólo busca documentar el crecimiento de esta misma,sin mas pretensión que atesorar la ternura de aquel momento intimo e inocente. Tal y como hacían nuestros abuelos, antes de este mar de fotografías que se generan en la actualidad, donde la costumbre del álbum fotográfico familiar cómo objeto atesorado( ese album, a veces con tapa de cuero y hojas café ) pareciera estar en peligro.
• Cristóbal Olivares - Stgo. de Chile

Maryna Linchuk por Victor Demarchelier.

Tiene 29 años y aun cuando todos esperaban que entrara a la industria de alguna manera, nadie esperaba que fuera exactamente como su padre ha ganado su fama: como fotógrafo. Victor Demarchelier comenzó a trabajar el año 2008 y no ha parado de colaborar con Vogue Paris, e incluso este año logró montar su primera exposición llamada Creating Images, donde se lucen las fotos en blanco y negro de su ex, la modelo Caroline Trentini.
El hijo del famoso Patrick Demarchelier, favorito de todas las editoras de revistas importantes, ha trazado su propio camino y por lo visto, ha heredado ese talento para la profesión. Aunque su trabajo se ha concentrado más que nada en editoriales de moda, ya se aventuró en algunos look books como los de Hudson Jeans y Barney´s New York. Y en mayo del 2009 incluso apareció modelando en una editorial para Vogue US tomada por su padre, llamada nada más ni nada menos que Meet the boyfriends, donde varias modelos famosas hacían gala de sus parejas, y por supuesto que Caroline relataba que ya eran 3 años de relación los que llevaba con el artista.
Sin dejar pasar las bondades, en términos de belleza de la modelo Maryna Linchuk, me resultaron muy atinados para ella, los detalles de producción seleccionados, desde el original e inédito vestuario, hasta lo pintorezco de la locación.
• César H. Cassina. Junin de los Andes.

Víctimas de minas antipersonales en Kuito, Angola.

Un pueblo donde muchas personas fueron asesinadas y traumatizadas durante la guerra civil.
Francesco Zizola, Italia. Sé que no soy quien para dar mi opinión al respecto de mi foto preferida ¿a quien le importa?-, pero desde que me propusiste decirlo, me ha venido a la cabeza una imagen que hace años no se va de mi mente. No es que sea mi foto preferida porque prefiero una de paisaje o de naturaleza, pero ésta foto define lo que es mís triste para mí. Una fotografía donde se refleja una infancia mutilada, la miseria como juego, y un entorno decadente en metralla.
Una foto donde hasta la sombra contribuye otorgar sensación de cercenamiento en la mirada de la niña. ¿Hay algo más triste?.
• Juan PIXELECTA, España.

Tina Modotti "Manos del titiritero" (Louis Bunin).

Esta es una de mis fotografías preferidas, la imagen de Tina Modotti muestra las manos del titiritero Louis Bunin, dándole vida a una marioneta, a través de las cuerdas. El artista, supo recién después de 60 años que sus manos aun seguían siendo fuentes de magia, a través de las fotos de Tina. Me resulta conmovedor el arte que surge desde el cuerpo y me encuentro fascinada por esta foto porque como retrato del titiritero, solo se muestran sus manos, activas.
Louis es su marioneta, su magia se percibe transmitida desde sus venas hacia las cuerdas. Admiro la forma de mirar de Tina... pienso: ¿Qué mejor que nuestro arte hable por nosotros? Muchas gracias por invitarme a compartir!
Eugenia Zoia - Buenos Aires.

John Lennon y Yoko Ono, en el lente de Annie Leibovitz.

Una de las fotos que más me agrada es una que Annie Leibovitz tomó a la famosa pareja: John Lennon y Yoko Ono en diciembre de 1980, unas horas antes de que el músico británico fuese asesinado. La icónica imagen fue portada de Rolling Stone en enero de 1981.
En esta época cubrió la guerra de Líbano para Rolling Stone, pero en los años 80 decidió abandonar el fotoperiodismo para centrarse en el retrato y comenzó a trabajar para Vanity Fair. A finales de los 90 inició su colaboración con Vogue.
La fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz, conocida mundialmente por sus retratos de personalidades y famosos, acaba de ser galardonada con el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades. Leibovitz ha retratado a todo tipo de personalidades, desde escritores, políticos, artistas, pasando por todas las grandes estrellas de Hollywood, siempre con una cuidadísima puesta en escena. Como es sabido Annie Leibovitz, nació en Waterbury (Connecticut) el 2 de octubre de 1949 y comenzó a estudiar fotografía mientras recibía clases en el Instituto de Arte de San Francisco.
Su primer trabajo fue con la revista Rolling Stone en 1970, antes de terminar sus estudios, una publicación de la que llegó a ser jefa de fotografía tres años más tarde.
• Rosana López Cubas, Perú.

Human province China, de la serie Power of play de Steve Mc Curry.

Esta imagen refleja balance entre equilibrio y movimiento, los colores vibrantes de las túnicas contrastan fuertemente con el sobrio del entorno, una imagen audaz que captura un momento especial.
Luis Tobías.

Sasha and tribeswomen (2003) / Alexander Gusov.

En el año 2003 el fotógrafo ruso Alexander Gusov viajo a Namibia, en África, junto a su mujer por trabajo. Visitando algunas tribus de la región, su esposa Sasha quiso romper la exclusión que sintó por ser la única mujer vestida del lugar y se sacó la blusa para mostrar que tenía el mismo cuerpo que las demás mujeres de la tribu, y que en esencia eran todas iguales.
Las mujeres quedaron encantadas con el gesto y compartieron una tarde llena de risas, observandose los cabellos, la piel y hasta el tamaño de los senos de cada una.
Adoro esta foto porque trasmite igualdad, algo por lo que el ser humano a luchado desde su mismísima existencia.
No encuentro gesto mas hermoso, humilde y lleno de amor, que decirle al otro "yo soy igual que tu y tu eres igual a mi".
Florencia Castello, Quito - Euador.

"Lonely Cat in an inhospitale environment", de Jeanloup Sieff.

París 1973. Que buen ejercicio y que difícil a su vez el de elegir nuestra foto preferida de los grandes de la fotografia. Me dije, "bueno, a ver, qué libro, de què fotografo tengo en casa?" y uno de ellos era el de Jeanloup Sieff.
Este libro es una monograf'ía única en donde retrata en palabras y en imagenes el transcurso de 40 años de fotografias, encuentros y recuerdos. Este fotógrafo ha trabajado en el campo de la moda, la publicidad y el retrato.
El libro es realmente adorable, muchas de las fotos me parecen enigmáticas en su relación con la persona fotografiada, cómplices asi como hay otras fotos que las percibo como con mucha frescura, y están aquellas más contemplativas Pero la foto que elegí lo hice porque para mi conjuga de manera genial lo enigmático con la frescura. Es una foto que para mí tiene que ver con esos milagros que se dan ante nuestros ojos cuando estamos con cámara en mano pero estabamos dispuestos para otra foto. "Gato solitario en un ambiente inhóspito" El ambiente por cierto se vé muy frío, con esas líneas, esos blancos que vemos por ser una foto en blanco y negro, esas lámpara triangulares y de golpe ese gato que hipnotiza nuestra mirada al verlo en la foto ocupando la silla reservada para la modelo.
Vemos esa puerta entreabierta en el fondo que le dá más misterio a la escena. Realmente creo que estos son pequeños regalos para los fotógrafos, cuando uno está embarcado en un tema especial a desarrollar y de pronto, mientras se está a la espera de la acción, algo que ni imaginábamos sucede y ahí está el don del fotógrafo de poder atrapar ese instante, un instante entre otros pero el que encierra la mayor carga. La expresión del gato, por lo menos para mí, es la misma que tendría yo en ese ambiente.
Una persona estaría respondiendo al fotógrafo, en cambio un animal, no está condicionado por sus pensamientos, por lo tanto la expresión de este gato me parece de lo más genuino. Y que el fotógrafo, gracias a su sensibilidad, lo pueda capturar y transmitirlo, sublime.
Karin Pringsheim, Bs. As.

Sunday on the Banks of the Marne, 1938, Henri Cartier-Bresson.

Elegí esta foto de Henri Cartier Bresson, porque, tal vez, sea una forma de sintetizar casi todas sus fotos, dije casi, porque no solo tiene fotografías de lo cotidiano, de la calle, etc., en toda su obra podemos encontrar paisajes y hasta fotografía color, aunque estas ultimas solo eran trabajos comerciales.
Esta fotografía, abarca la perfección de un buen encuadre, una buena técnica, un buen momento y una buena narrativa, algo que Bresson nos muestra en todas sus fotos.
Quizás sea el fotógrafo mas conocido de la historia, pero para mi seguirá siendo mi maestro, aunque no lo haya conocido, siempre aprendo mirando sus fotos y leyendo sus escritos.
• Eyelén Giacobbe - Bs. As.

Calla Lily - Robert Mapplethorpe.

Me gusta esta fotografía en primer lugar porque me inspira ternura, pureza, calidez y todos aquellos sentimientos que puede inspirar el observar y tocar una flor, me gusta además el dramatismo que le imprime el uso del blanco y negro y, en segundo lugar, me resulta muy interesante el contraste entre los temas que trabajaba Robert Mapplethorpe, por un lado sus desnudos bastante agresivos y por otro lado la delicadeza de sus retratos de flores.
• Jackselyn Estévez - Cuba

Fotografía de la serie "Ashes and Snow" de Gregory Colbert.

Gregory Colbert es uno de mis fotógrafos contemporáneos preferidos, no fue fácil elegir sólo una imagen de su obra. Es un artista que conjuga técnica, composición y el uso de la luz en pos de un mensaje de respeto, amor y protección a la Naturaleza.
Él retrata -mayormente- monjes tibetanos, budistas e integrantes de tribus que aún conviven armoniosamente con la Madre Tierra, donde los animales son considerados hermanos y la Naturaleza su hogar. Estos lazos además de poder ser observados por el receptor trascienden la fotografía y es posible sentirlo en la propia piel. Su trabajo emociona, invita a reconectarnos con nuestras raíces y replantearnos la relación con el Medio Ambiente.
Esta fotografía simboliza la unión más profunda con la Pachamama, el útero materno creado por las raíces de este árbol alberga a dos niños que se encuentran en estado meditativo de paz absoluta y en comunión con su entorno.
Los elefantes escoltándolos, símbolos de espiritualidad, abundancia y protección, estos majestuosos animales los resguardan de cualquier amenaza externa, allí pueden disfrutar del cobijo, abrigo y amor de la madre universal.
Este completo artista, viajero, ecologista y pacifista constituye para mí, una fuente de inspiración inagotable. Gracias Gregory por tu sensibilidad y capacidad de plasmarla en tu trabajo. "Al explorar el lenguaje compartido y las sensibilidades poéticas de todos los animales, estoy trabajando redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran una conjunción del mundo que no tienen principio ni fin, aquí o allá, pasada o presente". -Gregory Colbert-
• Brenda Sisa, Bariloche.

Susan Sontag por Annie Leibovitz.

Hace muy poco descubrí esta foto de la fotógrafa estadounidense Annie Leibovitz.
La ensayista Susan Sontag es fotografiada por su propia pareja. Una Susan Sontag relajada, ociosa, íntima.
Me gusta esta foto porque aún sospecho si esta mujer descalza es Sontag. Confío en Leibovitz pero todavía me gusta girar la cabeza para tratar de ver el rostro de Sontag, que parece estar con los ojos cerrados y distendida.
Siempre con una mano apoyada en su cabeza. Me gusta esta foto porque demuestra intimidad en la pareja. Me gusta por lo blanca, lo fresca, por la luz que entra por la ventana y por el deseo de algún día ser fotografiada así.
• Agustina Benelishe - Bs. As.

Tomoko bañado por su madre, Minamata 1972, de Eugene Smith.

Esta foto me gusta por su semejanza a la Piedad de Miguel Angel y a la premiada por el fotógrafo español, Samuel Aranda, las tres obras tienen una gran semejanza... ternura, protección, calidez, amor... a pesar del tiempo que las separan de una a otra de realizadas... los sentimientos siempre están ahí, no importan las circunstancias, ni el lugar, ni el tiempo... son inmutables...
• Margarita Fresco - Cuba

Hyéres, Francia (1932) - Cartier Bresson.

Elegir una foto "preferida" es realmente difícil, por mi parte puedo decir que es imposible, una empresa destinada al fracaso, aunque en esa búsqueda (como todo en esta vida) el recorrido es lo mas gratificante: reencontrarme con grandes fotos, descubrir otras y ver como cada día, según el estado de ánimo, alguna sobresale más que otra, me "llega" más que otra.
Finalmente acepté que no podía elegir La "preferida", y me decidí por escoger una de todas mis preferidas. Mi recorrido fue el de buscar las primeras que me venían a la mente y luego hurgar y hurgar, la lista se hizo extensa, entonces, para ir acotando el extenso listado de grandes fotógrafos y sus fotografías-, tuve que ir ordenándolas por color o blanco y negro, por tema, composición, emoción, etc.
Hoy me decanté por la cuestión compositiva más que por la emoción que me puede generar una foto. Escogí esta foto de Henri Cartier Bresson siguiendo este camino que hice.
Bresson es uno de mis fotógrafos favoritos, lo es por su talento, su Blanco y negro, las composiciones y esa magia de estar en el lugar justo en el momento justo. Además que de toda la riqueza de géneros que tiene la fotografía, el documental es la que mas me motiva, con la que me siento mas cómodo.
Hyéres, Francia es el título de esta obra realizada en 1932. Hyéres se encuentra al este de Marsella. La escalera se retuerce y se dirige hacia la calle, allí pasa un ciclista, éste sigue la ruta mas clara, la mas definida y sencilla. Nos puede remitir al "sendero de la vida", en el que se producen vueltas y giros inesperados.
Nos habla de los altibajos de la vida, las subidas y bajadas, las partes claras y oscuras -como las de la escalera-, los momentos difíciles y los caminos sencillos. Luego la suave curva de la calle, por donde transita el ciclista, nos genera eso, una suavidad, fluidez en el trayecto, como esos momentos donde uno avanza con pocas dificultades.
El ciclista, apenas borroneado no tiene una identidad concreta, podría ser cualquiera de nosotros.
Finalmente, el punto de vista del fotógrafo es desde arriba, un picado suave, lo que nos permite ver con "claridad" la vida, desde un punto de vista mas elevado.
A nivel compositivo es perfecta: la proporción áurea perfectamente utilizada y el momento exacto: el ciclista que pasa y justo queda colocado en el punto de tensión.
Toda la foto parece moverse, como un giro hacia la izquierda, es dinámica. Bresson no se caracterizaba por un uso de la luz a nivel muy artístico, sino a buscar un momento y una composición. Para él la luz era el perfume de la fotografía. Esta era la búsqueda de Bresson, la de encontrar una composición perfecta y luego esperar (e intuir) a que algo suceda. Esa magia es el momento decisivo.
• Javier Castillo, Bs. As. javiercastillofotografo.com

La niña del Napalm de Nick Ut.

Estaba muy dudosa, porque al igual que Robert Capa, si la propuesta fuera el mejor fotógrafo que yo elija.
Pero, ¿Cómo elegir una foto, mi primera opción era la imagen de Nick Ut. La famosa imagen del "napalm girl" fue el gran símbolo de los estragos de la guerra en Vietnam. Y siempre ha llegado a representar los horrores de la guerra.
La chica de la foto tenía nueve años cuando ejército de Vietnam del Sur de un avión bombardeó la aldea de Trang Bang, cerca de Ho Chi Minh (entonces Saigón), en un ataque con napalm, en coordinación con el mando del Ejército de EE.UU., que fue para el control de la carretera entre Camboya y Vietnam. El fuego de estas bombas, que llega a 1.200 grados, quemado ropa y causó quemaduras a 65% del cuerpo de Kim.
Mi elección se debe también al hecho de que yo era una reportera y admiro profundamente como cubren las guerras los profesionales.
Haciendo este rodaje está siempre bajo tensión absoluta, con el riesgo de muerte. Esta imagen en particular también marca la importancia de la fotografía en la denuncia de la violencia de la guerra, el sufrimiento de la población civil en particular los niños. Y fue de gran importancia para la población de los EE.UU. para entender y movilizar contra el conflicto. También es una imagen nostálgica, es un momento en que el periodismo todavía tenía algo imparcial, o que podría tener.
• Suzana Pires - Brasil. Suzana Pires fotografia

Huellas en el río de Rómulo Avendaño.

Cuando recibí la invitación a colaborar en esta sección, no me resultó nada fácil, pensé en las cientos de imágenes que vemos a diario, de las cuales siempre al menos nos queda un par dando vueltas en la cabeza, ese par al que catalogamos como "preferidas"; pensé por supuesto en los grandes maestros y en los grandes clásicos, pero en especial una imagen salto en el medio de aquel torbellino; esa imagen no es más que Huellas en el río de Rómulo Avendaño, no solo por el manejo de la luz, el encuadre y el resto de los aspectos técnicos, sino por lo que representa.
Esta toma fue hecha en el río Yamuna, un lugar olvidado en el mundo donde viven las castas mas bajas de la India, y en lo personal, el cruce de ese río es lo mas similar al transitar de por la vida de cualquier ser humano, no importa que tan contaminado, difícil, podrido o peligroso sea el camino, lo importante es que siempre se logra superarlo llegando a la otra orilla dejando una estela, una huella, que considero es lo mas importante, pues si solo transitas y no trasciendes, sencillamente no aportaste nada...
• Ricardo Arispe - Planeta Tierra.

Sanctuaire, Les Brumes. (Linda Vachon).

Es la foto que elijo para compartir. Les brumes es un contacto de flickr, mucho más no sé de él (o ella).
Tiene una mirada exquisita que me deja sin palabras. Un extraño punto en el que la imagen intercepta el sabor, entonces alimenta. FFlik r.
• Natalia Buch, Bariloche.

Ausencias, de Gustavo Germano.

Elegí esta foto, tal vez la más famosa, entre el conjunto que conforma la Muestra Ausencias de Gustavo Germano. En este caso "mi foto preferida" es una serie que muestra catorce historias. Se trata de un retrato familiar reconstruido 30 años después en el mismo lugar con la participación de los sobrevivientes y la hiriente presencia de la ausencia del ser querido.
Es un proyecto fotográfico que encanta y espanta a la vez. Emociona ver cada díptico, ha logrado representar como nadie el horror de la desaparición de personas en nuestro país.
Había visto las imágenes en Internet, un video, pero hace un par de años al recorrer los pasillos de la Universidad Nacional de Moreno pude ver la Exposición por primera vez en directo y cada vez que pasaba no podía dejar de pararme, observar a retratados y conmoverme.
Un valioso aporte al ejercicio de la Memoria. web de Gustavo Germano
• Nora Brito, Moreno, Bs. As.

La niña con muñeca de Palo - Alberto D. Korda 1959.

Esta es una de mis fotos preferidas, fue hecha por Alberto Díaz (Korda) autor de la inmortal imagen del Che. Paulita la niña con la muûeca de palo fue tomada en el municipio de Minas de Matahambre, en la provincia pinareña (Cuba), se muestra la niña abrazada a su muñeca de palo, en una composición coherente con la reputación del creador, llamado el fotógrafo de los sentimientos y ciertamente esta foto transmite muchos sentimientos, es una imagen muy fuerte y dolorosa, pero a la vez me transmite ternura, creo que también por esto es una de las fotos favoritas del autor que sufrió en carne propia serias dificultades, que quizás vio más allá en esta imagen, vio que la revolución traía ideas de educación para todo el pueblo cubano, de salud, y creo que esa fue su relación con el retrato.
• Adriana Rodríguez, Cuba.

Somersault Rocinha - An Orphan Town. André Cypriano 1999.

Elegí esta imagen titulada Somersault, de la serie Rocinha - An Orphan Town del fotógrafo brasilero André Cypriano entre una de mis favoritas, en parte por la admiración hacia la obra documentalista del autor. Para mi esta imagen juega mucho con el equilibrio. Desde el espacio quieto o "vacío" en el lado izquierdo y todas las figuras y la acción que se encuentra en el lado derecho.
Los cuadrados formados en el piso, la línea del horizonte representada por la pared-baranda da una cierta quietud a la imagen ayudada por la verticalidad del la persona en el aire. Sin embargo, el movimiento está innegablemente presente en esta imagen. Es esa combinación la que me atrae.
Me fascina la suspención casi estática de la figura, como si tuviese la capacidad de flotar en el aire, suspenderse y jugar. Sólo girar, alivianado, desafiando toda gravedad.
Web del autor: andrecypriano.com
• Paola Alonso, Mendoza.

Primer Fotografía: Joseph Nicéphore Niépce.

La historia es muy simple. Un día en mi Montevideo natal, llegó a mis manos un amarillo libro de fotografía, en esa época ni soñar, de internet, ni de todo el desarrollo actual de las comunicaciones y por supuesto de la fotografía, donde se podía apreciar una imagen en blanco y negro ,casi nada definida, con mucho grano, pero con una belleza singular.
El nombre del autor, para mi en los albores de mi vida como reportero gráfico, desconocido: Joseph Nicéphore Niépce.
Casi dos siglos han pasado para seguir descubriendo día a día una fotografía con nuevos recursos técnicos, sin olvidar esta obra de arte, con casi ocho horas de exposición, según muchos analistas.
• Héctor "Tupa" Carballo, Lima - Perú.

Icaro sobre el Empire State Building - Lewis Hine.

El sociólogo/fotógrafo Lewis Hine, lleva con su firma una de las más famosas tomas de la ciudad de Nueva York, y es el quien está en el instante decisivo, en la construcción del Empire State y en esta gráfica en particular. En ella podemos ver como el vértigo se apodera de la escena, y quien termina firmando la fotografía y se vuelve co-autor del rompimiento de la perpendicularidad del ser humano, frente a una vorágine y nada apasible selva de cemento."
•Leonardo Ampuero - Ecuador.